​Dorothee Schmidt

Einführungsrede zur Ausstellung                     Dorothee Schmidt: Weitsicht

BBK Aachen, 5. Oktober 2018
 

Alles begann mit geometrischen Farbfeldern, mit quadratischen und rechteckigen Rasterstrukturen und mit der Vorliebe für die reliefartige Struktur von Farbe. Und hier zeigt Dorothee Schmidt mit der Ausstellung Weitsicht ein bisschen von dem, was daraus wurde und wie sie ihre Passion weiterentwickelte. Die abstrakten Farbflächen entwickelten sich über die Jahre hin zur Figuration (siehe Tulpenfelder in den Niederlanden, Straßenszene in Kuba, Häuser in Cordoba (Argentinien)) und wieder zurück zur Abstraktion. Hinzu kam die Faszination für Weiß, gerne ein pastoses Weiß, aber noch viel lieber ein Lasurweiß. So trägt sie hier in zahlreichen Schichten dunkle Farbe, meist Braun- und Blautöne auf die Leinwand auf und als letzte Schicht folgt Weiß, das sie mit der Rakel breit und flächig (mit Unterbrechungen und leichten Bewegungen) über die zugrundeliegenden Schichten zieht. Diese oberste Farbschicht (meist das Lasurweiß, hin und wieder auch ein pastoses Weiß) ergibt im Zusammenspiel mit den darunterliegenden Farben ein blau schimmerndes, sehr kühles Weiß. Diese abschließend aufgetragene Farbe gibt den Gemälden ihren ganz besonderen Charakter: Die transparente Schicht und die pastosen zugrundeliegenden Schichten mischen sich optisch im Auge des Betrachters miteinander und verleihen der Ölmalerei eine besondere Brillanz und Tiefe. Durch den Weißauftrag erhält die zurückhaltende Farbpalette im Hintergrund einen vielfarbigen Farbschimmer. So entsteht nicht nur eine reliefartige Struktur auf der Leinwand, sondern die sich ergebenden Formen (Gitterstrukturen, Quadrate), – erscheinen als Raumillusion. Durch das Verhältnis von hellen und dunklen Partien, von vertikal und horizontal laufenden Farbaufträgen werden zudem Landschaftsassoziationen geweckt. Verstärkt wird dieser Effekt durch die immer wiederkehrende horizontale Teilung der Gemäldehälften in oben und unten. Vertikale Schattierungen verwandeln sich zu Meer, Wolken und Horizont, senkrechte Farbspuren erinnern an Bäume oder Menschen – aus schemenhaften Elementen erwachsen so Landschaften.
Dorothee Schmidt liegt es jedoch fern, sich als Landschaftsmalerin zu bezeichnen. So wenig wie sie eine bestimmte Landschaft darstellen möchte, so wenig ist es der reine Illusionismus, der sie interessiert. Ihr Interesse gilt zwar der Darstellung von Tiefe auf der Fläche, es geht aber nicht um eine bestimmte Topografie oder einen geografischen Raum, sondern darum, mit malerischen Mitteln ein Raumgefühl zu erzeugen. Es geht ihr um die Gratwanderung von abstrakter Farbfläche und räumlicher Wahrnehmung.
Bei den Tulpenfeldern sehen wir zwar eine spezifische, zuvor fotografierte Landschaft. Es ist nicht die idyllische oder die pittoreske Landschaft, die wir vor uns sehen. Es ist eher ein Land, das nahezu industriell genutzt wird. Es ist mit fester Kontur und stabiler Form, ganz klar in seiner Bestimmtheit. Diese Landschaft ist klar strukturiert und macht ganz deutlich, wie räumliches Sehen funktioniert, wo es anfängt und wo es aufhört. Nach hinten wird es abstrakter und diese Abstraktion wird dann wieder abrupt unterbrochen von den vor dem Wald im Hintergrund fahrenden Autos. Die Landschaft löst sich in der Tiefe auf und wird dann doch wieder von Gegenständlichkeit eingefangen. Dies ist nicht die erhabene Landschaft wie sie die Maler der Romantik dargestellt haben, die Tulpe wirkt hier auch nicht wie der Inbegriff von Kostbarkeit (wie wir es aus den niederländischen Stillleben des 17. Jahrhunderts kennen), sondern wie ein Stück Land, das der Mensch sich angeeignet hat, das nur noch Nutzfläche ist – und zugleich aber ein lebendiges Farbenspiel darbietet.
So sehen wir, dass die Tulpenfelder und die abstrakten Gemälde im Ergebnis zwar sehr unterschiedliche Gemälde sind, aber die Gestaltungselemente sind sehr ähnlich.
Die abstrakten Gemälde gewinnen ihre ästhetische Spannung durch das Aufschimmern von Figuration in der Abstraktion, durch diesen Schwebezustand zwischen Farbfläche und Landschaft, dadurch, dass Landschaft nur erahnt oder erspürt werden kann. Diese Gemälde fordern unser Assoziationsvermögens heraus – und sie zeigen uns wie Wahrnehmung funktioniert. Wir deuten sie aus unserer visuellen Wahrnehmungserfahrung heraus, von individuellem Denken und Erleben bestimmt. So sind wir erst durch eine Vielzahl von Betrachtungen realer Landschaft in der Lage, in einem abstrakten Gemälde Landschaft zu erkennen. Voraussetzung dafür ist unsere Fähigkeit einer ästhetischen Wahrnehmung, die mehr umfasst, als das reine Sehen, das der Orientierung in der Welt dient.
Während der Betrachter in das Gemälde eingetaucht ist und die Tiefe des Raumes schaut, wird er durch die sich abhebende Farbe im nächsten Moment wieder auf die Farbfläche zurückgeworfen. Die pastosen Farbspuren brechen den Illusionismus wieder auf, führen uns sogleich zurück an die Oberfläche und zur reinen Malerei. Auf diese Weise sehen wir nie nur die Landschaft, sondern auch immer die Malerei. Und damit sind wir wieder bei Doros Thema und ihren malerischen Spielarten, mit denen sie aufzeigt, welche malerischen Möglichkeiten es gibt, Raumwirkung auf der Fläche zu schaffen.
Alexandra Simon-Tönges, M.A. Kunsthistorikerin